john barry 1933-2011

¡Quien me iba a decir que la entrada número 100 de este blog sin mayores pretensiones que compartir música, cine y literatura iba a ser una noticia luctuosa! Bueno, pues resulta que acabo de conocer la noticia de la muerte de uno de mis compositores favoritos de bandas sonoras y de música en general. John Barry murió ayer a la edad de 78 años de un ataque al corazón.

Nació en York, Yorkshire, Gran Bretaña el 3 de noviembre de 1933. El Jazz influyó en sus primeras composiciones y se refleja perfectamente también en la música interpretada por su primer grupo, The John Barry Seven, donde conoció al compositor Adam Faith y junto a ellos compuso canciones y piezas para varios filmes. Estos logros captarón la atención de los productores del filme Dr. No, Albert R Broccolli y Harry Saltzman quienes mostraban un disgusto por la partitura escrita por el compositor Monty Norman. Despidieron a Norman y encomendarón a Barry componer el resto de la partitura del filme, aparte de arreglar y hacerle modificaciones importantes al tema principal, lo cual resultaría en la creación del Tema de James Bond.

En las primeras películas, El Tema de James Bond fue utilizado como un leitmotiv asociado al agente, pero en películas posteriores el tema se utilizó como un tema de acción. Muchos compositores como Michael Kamen han utilizado de manera abundante el Tema de James Bond en sus partituras, sin embargo John Barry a pesar de crear la versión definitiva del tema, el mismo solo usó el Tema de James Bond en momentos puntuales y específicos. En varias películas como On Her Majesty’s Secret Service, Barry prefirió dejar de lado el Tema de James Bond y usarlo de manera escasa en la partitura, y darle más importancia a otros leitmotivs de la banda sonora. Monty Norman fue acreditado tras un juicio como el creador del Tema de James Bond. Para Dr. No , el tema fue orquestado por John Barry, quien posteriormente compondría la música de 11 filmes para la serie de James Bond. Aunque legalmente Norman es reconocido como el creador del Tema de James Bond, la mayoría de los aficionados reconocen a Barry como el verdadero creador del tema al ser él quien le dio el sonido y la orquestación definitiva. El distintivo riff de guitarra eléctrica que se escucha en la versión original del tema es interpretado por Vic Flick, amigo de Barry.

Barry es normalmente conocido por tener un estilo que se basa en el extensivo uso de los Instrumentos de viento y metal y en las cuerdas exóticas, a la par de ser un músico innovador, siendo de los primeros en utilizar sintetizadores en una partitura fílmica (On Her Majesty’s Secret Service). La orquestación de Barry combina la sección de las trompetas con la de las cuerdas creando un sonido fácilmente reconocible. Su música, normalmente, realza la respuesta del público hacia un filme como más notablemente se puede ver en Midnight Cowboy, Out of Africa, y Dances with Wolves.

No sólo compuso música para el cine, ya que su colaboración con la televisión ha sido enorme, tanto en películas como series televisivas. Una de estas es el tema que creó para la serie televisiva, The Persuaders en la cual el tema se caracterizó por el uso del Sintetizador Moog. Suya es también la música para varios musicales, entre los que se encuentra el exitoso West End, The Little Prince and The Aviator y Lolita, My Love, todos ellos teniendo a Alan Jay Lerner como letrista.

Durante 2006 fue el Productor Ejecutivo del álbum Here’s to the Heroes del grupo Australiano The Ten Tenors, el álbum presenta varias canciones escritas en colaboración con su Letrista habitual y amigo Don Black.

De 7 candidaturas a los Óscar, ganó 5 estatuillas: Nacida libre (1966), por la que ganó el premio en las categorías de Mejor banda sonora y Mejor canción; El león en invierno (1968); Memorias de África (1985) y Bailando con lobos (1990).

Os dejo un enlace con la lista que he hecho un poco a prisa y corriendo pero que sustancialmente recoge lo mejor y más conocido de Barry. Descanse en paz.  john barry. Así mismo os recomiendo está página web en castellano para conocer más profundamente la vida y obra del compositor inglés. Os dejo también un enlace con una página de eskup-elpais en donde hacen un repaso a los diez mejores temas del compositor, según ellos mismos.

convaleciente

Así me encuentro, convaleciente. Qué os voy a contar si casi todo el mundo está así! Fiebre, dolor de garganta, dolor de espalda, mocos, las sábanas que se te arrugan aunque las alises mil y una veces, la almohada que ya no sabes como ponértela… GRIPE. Mañana espero estar mejor y terminar el post que tenía preparado para hoy. Y poco más, disculpas por no haberla tenido preparada la entrada. Mañana más y mejor!

Un saludo, abrigaros que hace mucho frío (quien lo diría con el calor que estoy pasando) y que paséis un buen día.

MrWilliam

maravillosa viola celta

En 2009 Jordi Savall nos sorprendió con un trabajo dedicado a un repertorio al que, hasta entonces, no se había acercado. El repertorio tradicional de la viola en Irlanda y Escocia. Un disco que maravilló muy gratamente a todo el mundo hasta el punto de ser reconocido como el mejor artista de música clásica del año 2009 en los Premios de la Música que concede la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música. Un premio totalmente merecido.

En The Celtic Viol, Jordi Savall se adentra en un espacio musical que tradicionalmente se ha transmitido por vía oral. La fascinación por ese repertorio lo llevó a la Biblioteca de Manchester, donde descubrió un manuscrito con melodías tradicionales para viola. El documento contenía muchas canciones tradicionales para instrumentos de cuerda y una pieza para gaita. Tras estudiarlas, se dio cuenta de la conexión existente entre la viola y las tradiciones musicales celtas, especialmente a partir de la existencia de un bordón, tal como ocurre en las gaitas escocesas. De una colección de 10.000 melodías escocesas e irlandesas, el maestro eligió treinta. Su propuesta no pretende emular a los músicos tradicionales, sino que ofrece la visión de un músico que basa su pensamiento en criterios históricos y en la experiencia como gran improvisador de música barroca y renacentista. Savall ha apostado por el poder, la emoción y las cualidades expresivas de una música que no necesita acompañamientos. El libreto que acompaña el disco está traducido al francés, inglés, alemán, castellano, catalán, italiano, gaélico irlandés y gaélico escocés, en una muestra de respeto hacia sus públicos.

A finales de 2010 el maestro catalán nos volvió a sorprender gratamente con un nuevo trabajo dedicado a la viola en su repertorio celta. Continuó con su estudio y descubrimiento de este repertorio olvidado. Porque aunque algunas de estas obras se siguen interpretando (las melodías completas o parte de ellas) a nivel tradicional lo que Savall ha hecho, tanto en el primero, como en el segundo trabajo, ha sido volver a interpretar ese repertorio con las pautas de ejecución y tipos de instrumentos lo más cercanos posibles a la época en que fue escrito (más o menos el siglos XVII y XVIII). Savall circunscribe el momento de recuperación de estas obras como la continuación de ese camino imparable que en gran medida inició Mendelssohnn con la interpretación, después de casi dos siglos, de la Pasión según San Mateo de Johann Sebastian Bach. Desde entonces, señala el afamado intérprete, una parte de la música y de la musicología se ha empeñado en ir descubriendo, redescubriendo y rescatando del olvido las pautas históricas que cada obra tenía en el momento de su concepción. Y esto es lo mismo que ha hecho Jordi Savall con las piezas descubiertas en 1970 en el manuscrito conocido como Manchester Gamba Book.

La interpretación de esas músicas para lyra-viol o lyra-way me alentó a ampliar el ámbito de estudio a las músicas pertenecientes a los repertorios escoceses e irlandeses, que toqué primero con mi viola da gamba bajo acordada al modo de la lyra (lyra-way) o con la bag-pipes tunning. Enseguida me sorprendió descubrir tantos puntos en común con el estilo barroco: interpretación desigual y golpes de arco con acentuación muy característica y una gran profusión de la ornamentación improvisada. Si para mi primera grabación The Celtic Viol preferí utilizar sólo violas soprano (instrumentos agudos con sonoridades muy cercanas al fiddle) con el fin de no alejarme del repertorio de O’Carolan, N. Gow y S. Fraser, para la presente The Celtic Viol II he preferido mezclar la viola soprano de 1750 de Nicolas Chappuy (para las piezas de N. Gow, J. S. Skinner y las anónimas) y la viola baja de 1553 de Pellegrino Zanetti, de sonoridad calurosa y potente (para las piezas del manuscrito de Manchester y de la colección Ryan de Boston). Esta vez, además de las arpas irlandesas y el salterio tocados por Andrew Lawrence-King, siempre con los acompañamientos improvisados según el estilo de esas épocas, hemos añadido la percusión para las piezas bailables o rítmicas, con el bodhran tocado por Frank McGuire. Hemos seleccionado 30 piezas, agrupadas por tonalidades en suites o series. De nuevo, como ferviente homenaje a ese arte de la transmisión y al talento de todos los músicos que crearon ese maravilloso patrimonio y también a los otros, no menos importantes, que lo han sabido transmitir de generación en generación para conservarlo plenamente vivo. Como señala Ciaran Carson, las viejas melodías y canciones unen el pasado y el presente cada vez que se interpretan: «Cada vez que es cantada la canción, cambian nuestras ideas sobre ella y ella nos cambia. La música y las palabras son antiguas. Han sido moldeadas por muchos oídos y bocas y a menudo han sido contempladas. Pero cada vez es algo nuevo porque el tiempo es nuevo, y no hay tiempo como el ahora.» (Carson, 1996).

Estas músicas portadoras de vida y felicidad son verdaderamente vitales y conservan de forma íntegra todo su formidable poder expresivo y poético. Mientras haya músicos que las hagan revivir seguirán siendo un testimonio precioso de su indispensable función de identidad y cohesión social, política y cultural, que constituye también un mensaje universal de armonía y belleza.

Por cierto, tanto en el primero, como en el segundo trabajo Savall ha contado con la colaboración del arpista y especialista en música clásica Andrew Lawrence-King, fundador y director del The Harp Consort.

Os dejo la lista del Spotify con los dos discos señalados. Una delicia para los oídos y una música bellísima interpretada magistralmente. De nuevo un 10 para el señor Jordi Savall. ¡Bravo!

maravillosa viola celta

¿quién soy?

Acabo de terminar la última novela de Julia Navarro y lo primero que tengo que deciros es… que son mil páginas para pasar el rato y… poco más. Ya sé, ya sé que hay muchos seguidores de esta escritora madrileña, y no me extraña, porque en principio sus novelas son buenos libros para disfrutar con la historia, o con los personajes, pero en cuestión de literatura no son una maravilla. Y me podréis decir, vaya, ya está MrWilliam con sus exquisiteces. No, de verdad, no lo son. Cada cual tenemos las nuestras y de la misma manera que yo puedo disfrutar de lo grande con La isla del tesoro, a otra persona le podrá parecer insulsa (para mi esto sería incomprensible) y lo mismo al revés. Me lo dejó (el libro, me refiero) un tío mío y yo la verdad es que lo cogí sin muchas ganas, porque ya había tenido una “mala experiencia” con otro libro de Navarro (La biblia de barro es uno de los pocos libros que he dejado en la mitad), porque la época que transcurre en la novela no era la que más me apetecía en ese momento (desde la República española hasta la Guerra Fría) y porque estaba con idea de leer otro libro que al final no pudo ser, pero bueno, me dije a mi mismo, hay que dar una oportunidad, si a mi tío le ha gustado puede que a mi también. Dime quién soy, de Julia Navarro.

La historia en si es bastante buena. Un periodista de Madrid recibe un encargo de su propia tía, la mater familis, para investigar quién fue su abuela (esto es, la bisabuela del propio periodista) que resulta que poco antes de la Guerra Civil española abandonó a su marido y a su hijo. Eso es lo poco que saben, porque siempre ha sido un tema tabú en la familia. Por no conocer, no conocen ni el nombre de la señora en cuestión. El caso es que gracias a la investigación, en principio para conocer qué fue de esta mujer, resulta que vamos averiguando la apasionante vida de la señora, sus idas y venidas por medio mundo, sus amores y desamores, etc. Recorremos parte de la historia mundial y europea y española, desde la II República, hasta la caída del Muro de Berlín. Viajamos por el Madrid republicano, por la Francia ocupada, por la Unión Soviética stalinista, por el Buenos Aires de los exiliados, por el Londres de la II Guerra Mundial, por la Alemania nazi, por los Estados Unidos afianzándose como potencia mundial, por la Italia fascista… todo en un ambiente de guerra, espionaje, hambre, pasión, amores, encuentros y desencuentros, traiciones y el amor de una madre por su hijo.

Con todos estos ingredientes creo que se podría haber hecho mucho más, pero no ha sido así. Se pasa superficialmente por los grandes acontecimientos que sucedieron en esas épocas, casi parece que se los nombra, es verdad, pero no se hace nada por introducirnos verdaderamente en ellos. A los personajes les falta algo. Les falta ser algo más que una pincelada, les falta sentimiento. Y por eso me parece que es un libro para pasar el rato, un buen rato eso sí, incluso con muy buenos momentos, pero en general es un libro de esos que dentro de unos meses no vas a recordar. Si lo tenéis por ahí cerca y queréis pasar buenos momentos leyendo, leedlo. Si no lo tenéis cerca y queréis pasar buenos momentos de lectura, no vayáis a por él. Pero bueno, para gustos los colores, que decía el otro. Así que me imagino que por aquí también habrá gustado, ¿no es así? Si es así contadme por qué os ha gustado… igual he tenido muchos prejuicios a la hora de leerlo.

también la lluvia

La pasada semana estuve viendo con un amigo la última película de la directora Icíar Bollaín, que hace el quinto de su carrera cinematográfica y seguramente el más ambicioso de todos sus proyectos. Curiosamente la sala no estaba llena (había mucha gente) para ser Día del espectador y para ser la película elegida por la Academia española de Cine que podría competir en la sección de Mejor película extranjera de los Óscars de Hollywood. Me imagino que si sale elegida para la competición (y no digamos si resultase ganadora) será de esas películas que todo el mundo quiere ver de repente, así que si tenéis oportunidad id a verla ahora, porque además lo merece.

Costa (Luis Tosar) es un descreído productor de cine, parece que está de vuelta de todo y lo único que le importa es el coste de sus producciones sin importarle las relaciones ni los sentimientos humanos y Sebastián (Gael García Bernal), es un joven e idealista realizador, director de cine con muchos proyectos e ilusiones que trabajan juntos en un proyecto ambicioso que van a rodar en Bolivia. La cinta que van a filmar tratará sobre la llegada de los españoles a América poniendo el acento en la brutalidad de su empresa y en el coraje de varios miembros de la Iglesia que se enfrentaron con palabras a las espadas y las cadenas. Es la historia real de la llegada de Colón, de sus viajes a las Indias, a América y de las salvajadas que allí se cometieron (se puede hablar de un auténtico genocidio contra los pueblos indígenas de América, pero desgraciadamente este es un episodio de la historia pocas veces señalado y mucho menos revisado y es que… allí no había nazis, no, allí había soldados españoles enviados por sus majestades españolas… en fin, creo que algún día llegará el momento de que la verdad sea estudiada en las escuelas y colegios, de la misma manera que se estudian los viajes de Colón y compañía). Pero Costa y Sebastián no pueden imaginar que en Bolivia, donde han decidido instalar su Santo Domingo cinematográfico, les espera un desafío que les hará tambalearse hasta lo más profundo. Tan pronto como estalla la Guerra del Agua (episodio real que ocurrió en abril de 2000) las convicciones de uno y el desapego del otro comienzan a resquebrajarse, obligándoles a hacer un viaje emocional en sentidos opuestos. Costa, el desideologizado, el que pasa de todo será quien muestre mayor apego por la causa de los indígenas en favor de su agua. Resulta que el agua de Bolivia estaba en manos de multinacionales norteamericanas que cobraban ingentes cantidades por hacer uso de ella, de ese agua de Bolivia, de ese agua de bolivianos y bolivianas que el gobierno de turno se empeñaba en vender, aunque no fuera suya, a multinacionales extranjeras. Pues bien, entre toma y toma de la película, entre manifestación y manifestación con la implicación directa de algún extra imprescindible que participa en la película, los sentimientos, las relaciones van cambiando. Quien en un principio se mostraba unicamente preocupado por el presupuesto de la película se implica en la lucha que una de las familias realiza en torno al problema del agua, quien en un principio se muestra más comprensivo con Bartolomé de las Casas se siente inseguro con la actual “esclavitud” indígena, quien está totalmente ilusionado con la realización de la película va perdiendo las ganas por hacerla… allí, con aquellos indígenas de hoy en día.

En fin, una película de esas de las que sales filosofando y dándote cuenta de las similitudes de la historia, porque la historia muchas veces es una simple repetición de sí misma. Os dejo con el trailer de También la lluvia. El día 25, el próximo martes, se sabrá si esta película ha sido elegida para competir en los Óscars que se repartirán el 27 de febrero.

FESTIVAL DE CINE FRANCÉS

Quería aprovechar esta entrada para daros a conocer el Festival de cine francés, My French Film Festival, que Filmin y otras distribuidoras de cine online del mundo están ofreciendo hasta el próximo 30 de enero, así que si os gusta el cine francés no lo dudéis, porque por 13,99 euros (9,99 si sois Premium) podréis visualizar diez largometrajes del último año, un clásico del cine francés y diez cortometrajes de la última hornada francesa. De verdad que yo estoy disfrutando muchísimo con estas películas que, desgraciadamente, pocas veces se pueden ver en salas de cine por aquí.

el bellísimo claro de la luna

El piano es uno de mis instrumentos favoritos, sobre todo en momentos de recogimiento, de meditación, de relajación, de paz interior… llamadlo como queráis. Cuando estoy en un estado anímico que necesito relajarme o si por el contrario estoy ya en ese estado de tranquilidad y quiero alargarlo, mantenerlo, nada como un buen piano con una de esas obras que acarician las teclas a un ritmo pausado, melancólico, como susurrándonos la melodía. Autores hay muchos, pianistas también y desde luego obras de este tipo que os comento, pero hoy quiero hablaros de una de esas obras en particular. Ayer por la noche, cuando llegaba a casa después de haber estado en el cine (lamentablemente al final me llevaron a una película que yo no había elegido, pero si ya dos personas es a veces difícil para elegir la película, cuando son tres es imposible, así que me dejé llevar. Camino a la libertad, de Peter Weir… me aburrí sobremaneramente), el caso es que de repente me di cuenta de lo hermosa que estaba la luna llena, en todo su esplendor del cielo invernal, señora de la noche, vigilante de los sueños. La obra que quiero comentar es Clair de lune, de Debussy.

Clair de lune es ne realidad parte, la tercera parte o movimiento, para ser más exactos, de una suite para piano de Caude Debussy. Esta suite tiene por nombre Suite bergamasque y fue compuesta en 1890 y revisada en gran parte en 1905, justo antes de su publicación. Este tercer movimiento tenía en principio el título de Paseo Sentimentale. Tanto el primer título como el segundo y definitivo vienen influenciados por el trabajo poético de Verlaine, de su Promenade Sentimentale incluido en el poemario, o colección de poemas, titulado Poèmes saturnianos. Es sin duda el más famoso de los cuatro movimientos de la suite (el resto son Prélude, Menuet, que son el primero y segundo y Passepied, que es el cuarto y último).

No era la primera vez que Debussy tomaba como fuente de inspiración a Verlaine ya que años antes había tomado otro poemario titulado Fêtes galantes y en donde se incluía un poema titulado también Clair de lune:

Votre âme est un paysage choisi
que vont charmant masques et bergamasques
jouant du luth et dansant et quasi
tristes sous leurs déguisements fantasques.

Tout en chantant sur le mode mineur
l’amour vainqueur et la vie opportune
ils n’ont pas l’air de croire à leur bonheur
et leur chanson se mêle au clair de lune.

Au calme clair de lune triste et beau,
qui fait rêver les oiseaux dans les arbres
et sangloter d’extase les jets d’eau,
les grands jets d’eau sveltes parmi les marbres.

¿las reinas leen?

Esta es la pregunta que me hice después de leer el libro. ¿Las reinas leen? El supuesto de una exquisita educación, un cultivo de las más refinadas aficiones y disponer de bastante más tiempo que cualquier otra persona para esas aficiones, ¿da la inquietud por la lectura? ¿Qué tipo de lecturas realizan? ¿Tienen escritores favoritos? ¿Leen más escritores de su propio país, por eso de hacer patria?

Alan Bennett es un dramaturgo, actor, novelista y guionista británico, ganador un Premio Tony por su obra The History Boys. Es autor de muchas y celebradas obras teatrales como Habeas Corpus, Forty One Years On, Kafka’s Dick o The Madness of George III (adaptada después al cine). También es apreciado su trabajo en la televisión y en el cine. Aun con una dilatada literaria a sus espaldas, sólo comenzó a escribir prosa en la última década.

¿Qué pasaría si la reina Isabel II de Inglaterra empezara a leer libros compulsivamente?

Alan Bennett lleva esta especulación al papel y elucubra sobre las implicaciones que acarrearía este hecho para la reina y para todo su mundo. Su título: Una lectora nada común. Una pequeña novela, demasiado para ser una novela, aguda y encantadora, de un fino humor británico.

Y es que la reina sufre una transformación tras entrar en el mundo de los libros, cambia por completo gracias al poder de las letras, pasando de su hieratismo, su frialdad y su seguridad en sí misma a una situación de inquietud sin límites, a unas ganas locas de vivir y a una eterna inseguridad. Porque los libros demuestran que el mundo es más complejo de lo que parece y te facilita el ponerte en la piel del otro.

Si le hubieran preguntado si la lectura había enriquecido su vida habría contestado que sí, sin duda alguna, aunque habría añadido con la misma certeza que al mismo tiempo la había vaciado de toda finalidad. En otra época era una mujer resuelta y segura de sí misma, que sabía cuál era su deber y tenía intención de cumplirlo todo el tiempo que pudiera. Ahora muchísimas veces estaba dubitativa.

El autor, como muchos se han cuidado de recalcar, muestra la imagen de la reina con exquisito decoro, como un buen súbdito y jamás la ridiculiza, jamás la humilla, y esta elegancia a la hora de presentarla termina por hacernos sentir compasión por la propia reina, por sus protocolos, su obligación de mostrarse interesada pero no interesante. Su transformación en lectora irredenta, pues, también transita por el mismo camino, y el autor recurre al humor, a la fábula, para conseguir que ambas facetas del mismo personaje coexistan en la realidad que todos conocemos.

Nunca le había interesado mucho la lectura. Leía, por supuesto, como todo el mundo, pero el gusto por los libros era algo que dejaba a los demás. Era un hobby, y la naturaleza de su trabajo entrañaba no tener hobbys. El jogging, cultivar rosas, el ajedrez o escalar, el aeromodelismo y decorar tartas. No. Las aficiones suponían preferencias y había que evitar las preferencias: excluían a la gente. No tenía preferencias. Su trabajo consistía en mostrar interés, pero no en interesarse. Y además leer no era hacer algo. Ella hacía cosas.

Lástima que la novela sea tan cortita. Sólo tiene 119 páginas de letra enorme (así que calculo que ni siquiera llega a 50: se puede leer en menos de una hora, así, tal cual). La historia es prácticamente inexistente, sólo se plantea como una sucesión de reflexiones acerca del poder de la literatura y como éste genera pequeñas anécdotas en la vida diaria de una reina omnipotente. No hay mucho más. Y no es poco. Hubiera sido interesante añadirle un poco más de complejidad a la trama para que la historia trascendiera la anécdota.

De todos modos, Una lectora nada común es una lectura imprescindible para todo aquél que haya sentido alguna vez cómo un libro le ha cambiado la vida de alguna forma. Y al cerrar este pequeño libro de Alan Bennett uno no puede evitar hacerlo con una sonrisa. Sobre todo por la última línea, que, tranquilos, no voy a desvelar.

Es una lectura muy agradable, de entre libros, y es curioso ponerse en la piel de la reina de Inglaterra e imaginar lo que pensaría en el caso de que leyese lo que en la novela nos cuentan que lee. Os dejo con otra maravilla de Bennett, y también relacionada con un monarca inglés y alguna locura suya. La locura del rey Jorge es una extraordinaria película con guión del propio Bennett adaptando una obra de teatro suya.

 

 

 

invasiones bárbaras

Hace un mes, en una entrada sobre la eutanasia a raiz de un artículo que había leído comentaba hice un comentario también sobre la película de Alejandro Amenabar, Mar adentro. En esa entrada, entre los comentarios, Teresa, de Los libros de Teresa, me recomendó una película franco-canadiense, Las invasiones bárbaras. Pues bien, hace una semana la vi y prometí hacer una entrada sobre ella.

La película realizada en 2003 y dirigida por Denys Arcand obtuvo el premio Oscar a la Mejor Película Extranjera, varios BAFTA, varios César y alguno en Cannes. Protagonizada por Rémy Girard, Stéphane Rousseau, Dorothée Berryman y Louise Portal cuenta la historia alrededor de Rémy, un profesor con cáncer terminal, que se encuentra internado en un hospital en Quebec. Su ex-esposa, para ayudar a que sus últimos días fueran más agradables llama a su hijo, el cual había emigrado a Londres por razones laborales, y un tanto para alejarse de su padre con el que no se llevaba bien. Estando en Quebec prueba ir más allá para procurar la comodidad de su padre, desde navegar por el sistema de salud de Quebec y sus sindicatos hasta reunir a la familia y a los viejos amigos de Rémy, los cuales llegan a visitarlo y confortarlo. En los últimos días de Rémy, él y sus amigos discuten sobre filosofía, política, pasado sexual y explotación intelectual.

La película, dramática, con tintes de comedia es un compendio de filosofía, conversaciones inteligentes, sentimientos, relaciones, recuerdos, familia, amistad, ganas de vivir y sobre todo satisfacción por la vida pasada, con sus aciertos y sus fallos. Hay momentos extraordinarios como la estancia en el lago de todos los amigos en torno al protagonista, para darle el último adiós, la relación entre una heroinómana y el protagonista colocándose, ella para sentir de nuevo el caballo cabalgar por sus venas y él para dejar de sentir la enfermedad trotando en todo su ser. Una película que me sorprendió ya que no me esperaba este cúmulo de sentimientos, esos momentos de risa en medio de la tragedia personal de cada personaje ni mucho menos me esperaba una película de las que te dejan ese buen poso para seguir pensando. Una delicia, totalmente recomendable. Gracias Teresa por el descubrimiento.

estaba la madre

 

Stabat Mater es una obra de 2008 compuesta por el galés Karl Jenkins  y que se basa en la oración del siglo XIII, Stabat Mater, de la Iglesia católica. Al igual que en gran parte de los trabajos anteriores de Jenkins la obra fusiona música occidental (lo que viene a se la formación de orquesta y coro), con instrumentos étnicos y voces (esta vez centrándose en el Oriente Medio).

Escrito en el siglo 13, el título Stabat Mater es en realidad una abreviatura de la primera línea, Stabat Mater dolorosa (La Madre Dolorosa estaba al  pie de la cruz… etc.). El poema refleja el sufrimiento de María , madre de Jesús , en el momento de la Crucifixión .

El trabajo de Jenkins se extiende en doce movimientos, en seis de los cuales se hace uso de otros textos diferentes al texto original. Estos incluyen un arreglo coral del Ave verum que Jenkins escribió originalmente para Bryn Terfel , el movimiento And The Mother Did Weep, que consta de una sola línea melódica cantada de manera simultánea en Inglés, latín, griego, arameo y hebreo, Lament, escrito por la esposa del compositor, Carol Jenkins Barratt y Incantation, que es en parte cantado en árabe antiguo por Belinda Sykes.

Stabat Mater se centra en el sufrimiento de María, pero a diferencia de las adaptaciones anteriores del texto, Jenkins incorpora el lenguaje de la época, con líneas cantadas en arameo y principios del árabe . La incorporación del instrumento armenio duduk (o mey) aumenta la atmósfera oriental, y su sonido profundo añade una dimensión más resonante, sonora y rica a la interpretación que la que se podría lograr utilizando la orquesta sola. Junto con el duduk, Jenkins cuenta con la percusión de Oriente Medio, como el darabuca , def , doholla y riq .

Aunque no se menciona en las notas de CD o programa de conciertos, el primer movimiento es en realidad una variación más amplia de una parte de su Adiemus , Cantus-Song of Tears, utilizando el mismo formato y armonización.

De toda la obra hay una pieza que me llega directamente al corazón, si no al propio alma. Es la titulada Now my life is only weeping, ya solo me queda llorar en esta vida, con letra de una antiguo poema arameo y cantada en primera parte en inglés y posteriormente en arameo. El video que he sacado no tiene nada que ver con la obra, la imágenes son de una serie de la BBC, Robin Hood ( de la que hablaré un día), pero son verdaderamente hermosas y llegan al sentimiento.

La obra se estrenó a nivel mundial en la Liverpool Anglican Cathedral  el sábado 15 de marzo de 2008 y contó con el Coro y la Orquesta de la Royal Liverpool Philharmonic, Adamonyté Jurgita, Belinda Sykes, siendo dirigida por el propio Jenkins. La obra fue grabada para EMI con los mismos intérpretes que los del estreno.

Os dejo, antes del cuadro con los movimientos y piezas de la obra, un enlace con el Spotify de Moleskine en donde podréis escuchar entera y verdadera esta extraordinaria obra:

Stabat Mater de Jenkins

Stabat Mater de Jenkins está dividido en 12 movimientos. A diferencia de su Réquiem , no combina los movimientos entre textos litúrgicos y los de la propia liturgia.

Movimiento	Textos / Idioma (s)
1. Lacrimosus Cantus (coro completo, coro de cámara)	Versículos 1-4 del Stabat Mater
2. Incantation (solista)	Textos tradicionales (árabe)
3. Videt Jesum en tormentis (coro de cámara)	Versículos 50-10 del Stabat Mater
4. Lament (mezzo-soprano)	Un poema de Carol Barratt (Inglés)
5. Sancta Mater (coro completo, coro de cámara)	Los versículos 11-14 del Stabat Mater
6. Now my life is only weeping (mezzo-soprano, vocalista, coros de cámara)	Un poema de Rumi (Inglés, arameo)
7. And the Mother did weep (coro de cámara)	Una línea de Karl Jenkins (Inglés, hebreo, latín, arameo, griego)
8. Virgo Virginum (coro de cámara)	El versículo 15 del Stabat Mater
9. Are you lost out in darkness? (mezzo-soprano, vocalista, coros de cámara)	La Epopeya de Gilgamesh (Inglés, arameo)
10. Ave verum (coro de cámara)	Ave Verum Corpus (América)
11. Fac, ut portem Christi mortem (coro de cámara)	Los versículos 16-17 del Stabat Mater
12. Paradisi Gloria (coro completo, coro de cámara)	Los versículos 18-20 del Stabat Mater

el kanun de kadare

El año pasado leí por primera vez una obra de Ismail Kadare, el autor albanés premiado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras. Nacido en el seno de una familia modesta y musulmana, de la secta de los bektashi, una escisión del Islam muy tolerante que come cerdo y bebe. Su padre fue muy conservador, pero sus tíos, muy cultos y poseedores de una gran biblioteca, se adhirieron al comunismo; vivió de niño la Segunda Guerra Mundial, cuyos acontecimientos fueron narrados o aludidos en varias de sus obras. Tras la ruptura de relaciones entre Albania y la Unión Soviética, regresa a su país donde ejerce el periodismo en diversos diarios y en suplementos culturales y empieza a publicar sus primeras poesías, influidas por el poeta albanés Lagush Poradeci. En esta época, durante un viaje a Praga, pensó en exiliarse, pero se arrepintió a última hora. Con su primera novela, El General del Ejército Muerto, escrita a los ventisiete años y publicada en 1963, consigue reconocimiento dentro y fuera de su país como uno de los escritores albaneses de mayor talento. Desde entonces ha publicado regularmente numerosos títulos que lo han situado como uno de los escritores europeos más importantes del siglo XX; entre ellos destacan El Palacio de los Sueños, Abril quebrado, El Monstruo o Los Tambores de la Lluvia. Su obra ha sido traducida a más de 40 idiomas. En la década de 1970 fue diputado en la Asamblea del Pueblo, el parlamento albanés durante el régimen socialista. En 1990, justo antes de la caída del comunismo en Albania, Kadare solicitó asilo en Francia, afirmando que “Las dictaduras y la literatura auténtica son incompatibles… Un escritor es el enemigo natural de una dictadura.” Kadare permaneció en Francia hasta 1999, momento en el que regresa a Albania.

Kadare es probablemente el intelectual más importante de Albania y uno de los más activos en Europa, donde su activo compromiso desempeñó un destacado papel en el esclarecimiento internacional del drama de los albaneses de Kosovo, defendiendo la intervención de la OTAN para detener a los serbios. Ha sido varias veces candidato al premio Nobel.

Sin casi conocer a este autor, me recomendaron que empezase a leerlo con una de sus obras emblemáticas. Abril quebrado. La historia es de lo más truculenta y oscura. El protagonista absoluto de Abril quebrado es el Kanun, ley de sangre no escrita qeu rige de forma inexorable la existencia de los montañeses de Albania. Pero ¿qué es exactamente el Kanun? Es un conjunto de leyes consuetudianario, transmitido de generación en generación, y que no se codificó ni transcribió hasta el siglo XIX. Sus normas evolucionaron hasta constituirse en una forma de proporcionar tanto leyes como gobierno a esas tierras. El código se divide en las siguientes secciones: Iglesia, Familia, Matrimonio, Casa, Ganado y Propiedades, Trabajo, Transmisión de la Propiedad, Palabra, Honor, Daños, Ley concerniente al Crimen, Ley Judicial, y Exenciones y Excepciones. Alguna de sus leyes más infames especifican como se supone que hay que tratar el asesinato, lo que muchas veces lleva a una disputa de sangre en la todos los hombres que pertenecen a ambas familias son asesinados. En algunas partes del país el Kanun se asemeja a la vendetta italiana. Estas normas han resurgido en el norte de Albania desde que la gente ha perdido la confianza en los ineficaces policía y gobierno locales. Hay organizaciones que tratan de mediar entre familias enfrentadas por una disputa de sangre e intentan obtener un “indulto de sangre”, pero muchas veces el único recurso para los hombres adultos es permanecer en sus casas, lo que se considera un refugio seguro según el Kanun, o abandonar el país. El nombre albanés para una disputa de sangre es Gjakmarrja.

Tremendo, ¿no os parece? El libro cuenta la historia de Gjorg Berisha, un joven que debe matar a un miembro de un clan rival, los Kryeqyqe, para cobrarse una deuda de sangre surgida caprichosamente varias generaciones atrás, y que ya había costado la vida de decenas de hombres de ambas familias. Comienza el día del ajusticiamiento y culmina en el momento en que el propio Gjorg cae bajo las balas del Kryeqyqe encargado de vengar a quien Gjorg había matado un mes antes, continuando el ciclo trágico y recurrente de la vendetta. Esos treinta días, ese abril quebrado en la vida de un joven que sabe que probablemente no llegue a ver el comienzo de mayo, sirven de excusa a Kadaré para referirse de manera sistemática al Kanun, el código de honor albanés que había estado presente en el trasfondo de varios de sus libros anteriores.

Fue un libro que me transportó literariamente a lugares de los que nunca había oído hablar, a formas de vida totalmente alejadas de la nuestra y a unos personajes con unos sentimientos intensísismos, todos ellos condicionados por el maldito Kanun. En 2001 el cineasta brasileño Walter Salles grabó una versión de la obra titulada Abril despedaçado, nominado al Globo de Oro a la Mejor película extranjera de 2002 y Premio Leoncino de Oro del Festival de Venecia otorgado por el público joven.