el chico bailaba

Corría el año 2000 cuando un niño de una localidad de Inglaterra metida de lleno en las huelgas mineras de 1984 y 1985 nos hizo soñar al ritmo del ballet. La verdad es que si lo pensamos bien el escenario, los personajes, el tema y la época eran lo más raro para aparecer juntas en una película. El escenario es Inglaterra, no sabemos muy bien dónde, pero podría ser el norte de Inglaterra. La época es a mediados de los años 80, cuando las huelgas de la minería inglesa se convirtieron en una dura batalla entre los sindicatos y la Dama de Hierro, Margaret Tatcher, que finalmente ganó la señora en cuestión. El tema es el ballet, ni más ni menos, las posibilidades de un chico, de un niño, para aprender ballet y salir de las limitaciones que tiene el lugar y el momento donde le ha tocado vivir. Los personajes, los típicos obreros ingleses, de clase media-baja, proletariado puro y duro y unos niños como cualquier otro niño, con sus sueños, sus preguntas, sus dudas y su característico punto de vista a la hora de observar la vida y el mundo que les rodea. Este niño, esta película, este sueño se llamó, se llama, Billy Elliot.

Como he dicho, la película se centra en el personaje de 11 años de edad, Billy Elliot, interpretado por un jovencísimo Jamie Bell, en su amor por el baile, y en su esperanza de convertirse en un bailarín de ballet profesional. Billy vive con su padre viudo, Jackie ( un extraordinario Gary Lewis ), el hermano mayor, Tony (Jamie Draven), y su anciana abuela Nan (Jean Heywood), quien en su juventud aspiró a ser una bailarina profesional. Tanto Jackie como Tony son mineros del carbón en huelga. El personaje de la abuela es una auténtica delicia, teniendo escenas totalmente conmovedoras y algunas muy divertidas.

Jackie suele llevar a Billy al polideportivo para aprender boxeo , pero no es esto lo que le gusta a Billy (por mucho que a su padre le parezca lo más normal del mundo que un niño de 11 años de su pueblo aprenda boxeo para hacerse un hombre). Para desgracia de su padre las clases de boxeo coinciden con las clases de ballet clásico y es ahí donde se apunta, sin que su padre lo sepa, el bueno de Billy. Cuando el padre lo descubre le prohíbe tomar cualquier clase de ballet más. Pero, apasionado por el baile, Billy continúa en secreto sus clases con la ayuda de su profesora de danza Georgia Wilkinson (una maravillosa Julie Walters). La escena de Billy, algo avergonzado, tomando la primera clase de ballet es sencillamente preciosa.

Georgia cree que Billy tiene el talento suficiente para estudiar en la Royal Ballet School de Londres , pero debido a la detención de Tony durante unos altercados entre la policía y los mineros en huelga, Billy se pierde la audición para ingresar en la escuela así que Georgia va a casa de Billy para hablarle a su padre acerca de la oportunidad perdida. Aunque Jackie y Tony no lo ven así ya que su mayor temor es que se convierta en bailarín profesional y se le considere en el pueblo un “marica”. La escena que sigue a la visita de la profesora, con un Billy sacando todo su enfado mediante el baile es también una de las más famosas de la película. La “cuestión” sobre la orientación sexual de Billy y el que una profesión o actividad (en este caso el ballet) pueda condicionar esa orientación sale en diferentes ocasiones en la cinta y uno de los personajes más bonitos del largometraje es el del mejor amigo de Billy, Michael, un niño que se siente atraído por su amigo y con quien finalmente podrá establecer las diferencias entre el hecho de bailar, la amistad entre dos amigos y la atracción sexual.

Finalmente Jackie se da cuenta de que su hijo tiene realmente un talento para el baile, y hará lo que sea necesario para ayudar a Billy realizar su sueño. Aquí es donde llega el enfrentamiento entre padre e hijo mayor, ya que el padre decide dejar la huelga para poder trabajar y ganar dinero con el que poder ayudar a Billy. En cambio, sus compañeros mineros y los vecinos del barrio recaudan fondos para Billy y Jackie lo lleva a Londres a una audición para el Royal Ballet School. Aunque muy nervioso, Billy se defiende bien, pero tras golpear a otro niño en un ataque sin provocación en la audición (yo habría hecho lo mismo con ese niñato bocazas), es severamente reprendido por la junta de revisión. Al creer haber perdido su oportunidad, Billy, desacreditado y abatido, vuelve a casa con su padre. Algún tiempo después, Billy recibe una carta de aceptación de la Royal Ballet School. Las escenas de la audición logran trasladarnos toda la tensión que se puede llegar a crear en ese tipo de pruebas. Cualquiera que haya pasado por algo parecido lo sabrá.

La bella escena final de la película es unos años más tarde, cuando Billy finalmente ha alcanzado su meta: un Billy maduro (interpretado por el bailarín y actor Adam Cooper) se sube al escenario para llevar a cabo la coreografía de Matthew Bourne, El lago de los cisnes. De esta coreografía hablé hace poco en otra entrada. Tanto el padre, como el hermano y Michael, su mejor amigo de la infancia, miran desde la sala de butacas.

La película ganó varios premios del Cine Británico Independiente, de los BAFTA, y nominaciones a los Óscar y a los Globo de Oro. La película se convirtió en novela después, gracias a la adaptación de Melvin Burgess y en 2005 se convirtió en un musical.

Una película con una historia conmovedora para ver y volver a ver de vez en cuando con la ilusión de terminar la película y bailar un rato por ahí (o simplemente saltar, correr y reír).

 

cisne blanco cisne negro

La pasada madrugada del domingo al lunes se repartieron los Premios Oscar de Hollywood que este año tuvieron muy pocas sorpresas. Quitando la preciosa y fácil película de El discurso del rey, me quedo, sin lugar a dudas, con la extraordinaria interpretación de Natalie Portman en Black Swan, El cisne negro, una exquisita película de Darren Aronofsky (otra vez más nos deleita este director de culto) que nos cuenta la esquizofrenia de una bailarina de ballet basándose en la historia del cisne blanco y el cisne negro de El lago de los cisnes de Tchaikovski. Esta entrada no es para hablar de la película, estoy seguro que hay muchos posts en la blogosfera, si no de la música y el ballet que han dado cobertura a la historia que Aronofsky quería contarnos. Es una película recomendable al 100%, con toques de thriller psicológico mezcla de Hitchcock y Polanski, que solamente por la maravillosa primera escena de baile merece la pena verla, una escena que me sorprendió por como está grabada ya que la posición de las cámaras y el tratamiento de las imágenes nos hacen estar literalmente entre los dos bailarines. A lo que vamos, El lago de los cisnes, de Tchaikovski.

Una de las cosas que más le gustó al director neoyorkino de este ballet es su historia y concretamente la la doble historia de el cisne de día y mitad mujer mitad cisne de noche o la también doble historia de el cisne blanco, con su pureza, dolor y sufrimiento y el cisne negro, con su maldad y crueldad. Porque si algo tiene este ballet para que guste tanto a tantas y diferentes generaciones hasta convertirlo en el clásico entre los ballets clásicos es una extraordinaria historia unida a una música tremendamente bella.

¿Qué contribuye en el mundo de la danza clásica a que El lago de los cisnes sea el ballet más apreciado de todos los tiempos? Está claro que su hechizante historia que recorre toda la gama de emociones humanas es parte importante de ese éxito, pero el consenso popular se inclina a señalar la música de Tchaikovski, el más admirado compositor de música de ballet en la tradición clásica que jamás haya existido, como la mayor responsable, por estar repleta de ricas melodías muy apropiadas para danzar, y sumamente bellas y agradables de escuchar. Por otra parte, comenzando por las notas del tema melancólico y misterioso del oboe, que anuncia la presencia de la princesa-cisne junto al lago, los ritmos, ya sean rápidos o lentos, han inspirado (y aún inspiran) coreografías líricas, fluidas, y hasta un tanto dramáticas, si se quiere, que ofrecen gran oportunidad de lucimiento a los intérpretes.

La primera presentación de El lago de los cisnes (Lebedinoe ozero), en cuatro actos, tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 4 de marzo de 1877. El guión es acreditado a Vladimir Begichev y a Vassily Geltzer; los diseños fueron originales de Karl Valz, Ivan Shanguine y Karl Groppius, y la coreografía tuvo como autor a Wenzel (Julius) Reisinger, de quien muy poco se sabe, a excepción de que era natural de Austria, pasó un tiempo en Praga enseñando ballet y fue maestro en la Escuela del Bolshoi entre los años 1873 y 1878. El personaje de Odette recayó en esa ocasión sobre Pelagia Karpakova, bailarina que no tenía categoría de principal, pero se cree que por motivos políticos consiguió ser exaltada a un rango más elevado. Sigfrido fue personificado por Stanislav Gillert.

Tchaikovski nunca antes había escrito música para ballet, a pesar de tener en su haber infinidad de maravillosas composiciones (que finalmente incluyen tres ballets, seis sinfonías, diez óperas, tres conciertos de piano y uno de violín, música incidental para distintas obras teatrales y un número considerable de canciones y piezas para piano). Según escribiera a su amigo Nikolai Rimsky-Korsakov, Tchaikovski aceptó el proyecto de componer la música del ballet, porque “necesitaba dinero, y hacía tiempo que deseaba tratar de componer música de ese tipo”. La partitura, que no estuvo completa hasta después de comenzados los ensayos (que durarían once meses), deleitó en principio a todos los que la escucharon, pero el entusiasmo no fue de larga duración. El estreno resultó un fracaso, según varias opiniones, incluyendo las de los críticos. No obstante, la obra subió a escena cuarenta y una veces, y años más tarde, en 1880 y 1882, el coreógrafo belga Joseph Peter Hansen idearía sendas nuevas producciones. El compositor, por su parte, debido al poco interés que su composición despertara, volvió la espalda a la danza y no escribiría más música para ballet hasta 1890, cuando La bella durmiente del bosque subió a la escena del Teatro Mariinsky, en San Petersburgo, con coreografía del francés Marius Petipa, que llevaba muchos años como director y coreógrafo principal del Ballet Imperial Ruso. Dos años más tarde, en 1892, Tchaikovski compuso su último ballet, Cascanueces, de cuya coreografía, por enfermedad de Petipa, fue responsable su ayudante, Lev Ivanov. Los éxitos apoteósicos de ambas obras fueron instantáneos, ocupando un lugar importante en la historia de la danza clásica desde entonces.

En 1888 el segundo acto de El lago de los cisnes, hoy conocido como el “acto blanco”, sería producido nuevamente en Praga, por Augustin Berger; pero después de los triunfos de La bella durmiente y Cascanueces, los directores del Mariinsky tomaron interés en escenificar de nuevo la escena nocturna del lago, encargando a Petipa que realizara el trabajo. Sin embargo, el maestro francés, que no sentía afinidad por la música sinfónica y tan “nacionalmente rusa” de Tchaikovsky, puso la tarea en manos de su ayudante, Ivanov, quien se entregó a la labor con gran esmero, pese a que, durante el proceso, Tchaikovsky falleció repentinamente (el certificado oficial cita como causa el cólera) el 6 de noviembre de 1893. En una función de gala organizada para honrar la memoria del compositor, la cual tuvo lugar el 1 de marzo de 1894, fue presentado por primera vez el acto de los cisnes junto al lago, con la nueva coreografía que ya Ivanov había terminado. La bailarina italiana Pierina Legnani (1863-1923) aparecería como Odette, junto a Pavel Gerdt (1844-1917) como Sigfrido.

La historia es, como he dicho, extraordinaria. El ballet compuesto de cuatro actos nos cuenta la historia de amor imposible entre un príncipe y una mujer-cisne. En el Primer acto podemos ver al príncipe Sigfrido en su cumpleaños en palacio y a su madre la reina incitándole a que elija esposa en una próxima fiesta. En el segundo acto vemos al príncipe acompañado de su bufón en una jornada de caza que es cuando conoce a la mujer-cisne, la Reina de los cisnes, que no es otra que la pobre Odette hechizada por el mago Von Rotbar y cuyo terrible hechizo consiste en haberla convertido en cisne durante el fía y mezcla de mujer y cisne durante la noche. El hechizo se romperá cuando se case con un hombre que se enamore de ella y le sea fiel. Y parece ser que ya ha encontrado al hombre, pues el príncipe está locamente enamorado de ella. En el tercer acto vemos el engaño al que someten el hechicero y su hija, convertida en un clon negro de Odette, Odile, el cisne negro. Desgraciadamente el engaño surge efecto y el príncipe se enamora de Odile pensando que es Odette. Después del engaño el hechicero y su hija aparecen con su verdadera fisonomía para reírse del desconsolado príncipe. En el cuarto acto Sigfrido regresa al lao, pide perdón a Odette, mata al hechicero y finalmente el cisne blanco, Odette, muere como parte del hechizo.

En la historia reciente del cine aparte de esta maravillosa El cisne negro ha habido otras películas que toman como referencia o usan este ballet. Una de ellas es De dioses y hombres, de la cual hablamos hace poco y que utiliza la música del ballet en una escena sobrecogedora. Y la otra es, evidentemente, Billy Elliot, esa extraordinaria película (posteriormente musical) que une la crisis industrial que asoló al Reino Unido en los años 80 (no solo al Reino Unido) con el mundo del ballet. Como podréis recordar la escena final de la película es Billy ya mayor bailando la preciosa coreografía que hizo el coreógrafo Matthew Bourne para hombres solos con este ballet. Os dejo al bailarín que interpretaba al Billy Elliot cisne, Adam Cooper, en una interpretación del mismo ballet que aparece en dicha película (todo hay que decir que este buenísimo bailarín ya era famoso antes de la película):

 

una foto cada día

 

Hoy os traigo al blog una página web, una plataforma para publicar tus fotos que me ha parecido curiosa y con bastantes posibilidades. No se trata de una plataforma al uso, no se trata de un sitio para ir colgando todas las fotos que realizas. No. Sólo puedes poner una foto al día. ¿Sólamente? Si, así es. Entonces… Os lo explico.

Hay gente que tiene la costumbre, o tenemos la costumbre, de ir anotando retazos de nuestra vida en diferentes lugares, en el Moleskine, en un diario, en un blog, en notas dispersas, en cartas a amigos, etc. La cuestión es expresarnos bien sea por la escritura, bien por la fotografía (también el vídeo), bien por ambas. Realidad o ficción, a todo el mundo que le guste expresarse en palabras e imágenes, quizás le interese un invento escocés que está triunfando en la blogosfera anglosajona.

Blipfoto es una web en la que cada día, mientras se pueda y se quiera claro está, todo es voluntario, se publica una foto de ese día, que es el requisito indispensable para participar, con un texto, o sólo con un título si no hay tiempo para más. Es así de sencillo, una imagen acompañada de unas pocas palabras o de una poesía o de un texto que hayamos encontrado, un diario digital sobre lo ordinario, sobre la cotidianidad, lo que nos sucede, lo que creamos, lo que encontramos, cada uno publica lo que más le ha movido ese día, la inmediatez es la gran particularidad de este cuaderno online. Podemos publicar una foto instantánea, o una foto editada, una foto artística o simplemente una foto que para nosotros tiene más significado el objeto, la persona o la situación fotografiada que la forma de hacerlo. Un diario que sirve como estímulo para mejorar nuestras habilidades fotográficas, y también las literarias, o simplemente ese pequeño espacio íntimo para el que nos reservamos unos minutos al día para estar con nosotros mismos.

¿Qué podemos encontrar en Blipfoto? Fotografías de paisajes remotos, de arquitectura, colores, de un concierto de música, texturas, de la última hornada de bollos, o imágenes de pájaros, ardillas y demás fauna que se encuentra cerca de los que participan en este proyecto fotográfico. También de lo más cercano, los hijos, abuelos, demás familia y amigos, el té matutino, el pub de al lado, el gato dormido en el sofá, etc.

Más interesante o menos, cada uno inserta lo que quiere y de la forma que quiere: de un modo espontáneo, fotográfico, artístico, etc, cada uno trata de capturar la belleza de lo cotidiano en lo que le rodea. Las páginas de ese cuaderno personal pueden ser visitadas y comentadas por otros blippers (esto es, los que “blippean” o colaboran en blipfoto) y también puntuadas. Por lo tanto es normal que nos esmeremos un poco en publicar una foto bien hecha, o con cierto estilo. Dedicaremos diez minutos a Blipfoto y seguro que mejoraremos nuestra aptitudes fotográficas o por lo menos nuestros puntos de vista. Pararse al final del día a reflexionar lo que te ha sucedido, lo que has hecho y lo que has dejado de hacer es un ejercicio que todo el mundo deberíamos realizar y que mejor manera de hacerlo que con ayuda de una fotografía. Podemos utilizar la cámara que queramos, una réflex impresionante, una compacta que llevamos a todos los sitios, el iPhone que me da tanto juego o cualquier otro móvil con cámara. No hay límites.  El perfil del blipper es el de un ser con curiosidad, amable, sensible, educado, con una tendencia a la introspección y a lo artístico y que suele vivir en lugares remotos como Escocia, Finlandia o Canadá, por eso si entráis en la web y echáis un vistazo, en estos momentos os encontraréis con una multitud de paisajes nevados. Dentro de los protocolos de Blipfoto está el de dar la bienvenida a los nuevos blippers y se felicita a los que han publicado sus pimeros 100 o 200 blips (la organización se encarga de anunciarlo). Como véis Blipfoto es una comunidad cálida y amistosa en la que la presencia de participantes de nuestra zona escasea. Yo os animo a que lo probéis y con la cámara que tengáis a mano, es una experiencia  que transformará vuestra forma de ver lo cotidiano.

Pros:

* Es una manera dinámica de llevar una especie de diario que luego puedas revisar tranquilamente.

* Nuestra manera de ver la vida se ensanchará sí o sí.

* Es un gran blog mundial con fotografías de lugares que de otra manera sería imposible conocer.

* Cada foto es un pedazo de la vida de una persona (evidentemente de la vida que hacen pública).

Contras:

* La fotografía no puede llevar marcos. Y es una pena porque hoy en día muchos editores de fotografía hacen verdaderas maravillas.

* El texto tiene que ser en inglés. Lo cual puede ser cierto problema para algunas personas, aunque hoy en día para poner un título y un texto corto hay multitud de traductores bastante fiables. Y por otro lado nos ayuda a practicar nuestro inglés.

Otro detalle es que la fotografía tiene que ser realizada en la fecha en la que vas a publicarla. Esto no quiere decir que, por ejemplo, si estás de viaje y no tienes acceso a internet te quedes sin publicar esas preciosas fotos que has realizado ya que las puedes colgar a posteriori, pero eso si, siempre con la fecha en las que las has tomado.

Bueno, pues nada, espero que os guste la idea. A mi me ha parecido muy sabrosa ( y eso que con la primera foto tuve problemas, que si tenía marco, que si el texto no estaba en inglés… eso me pasa por no leer la letra pequeña!). Os dejo el enlace con mi Blipfoto en el muro de la derecha. Que lo disfrutéis.

Por cierto que Blipfoto está disponible para diferentes plataformas y artilugios varios. Yo ya me he descargado la app para el iPhone…

proyectos 2011

Ha comenzado el año y es el momento de hacer recuento de todos esos proyectos que tenemos para el 2011, esas ideas que nos suelen rondar por la cabeza a comienzos de cada año y que después poco a poco (o a grandes zancadas) se pierden en la memoria más profunda, en ese espacio al que ya no podemos llegar. Por eso he decidido compartir con vosotros mis proyectos para 2011 y así tenerlos a la vista. Veremos que tal dentro de un año. Son proyectos para vivir una vida mejor, más sana y apetecible. Allá van:

El orden de los factores no altera el producto.

1. Hacer ejercicio diario. Bicicleta, salir a correr y disfrutar de las calles vacías mientras levanta el día, saltar y recorrer los parques de la ciudad e ir notando como poco a poco mi cuerpo va adquiriendo el estilo perdido. Creo que lo agradecerán no solo mi cuerpo, ni mi mente, si no el resto de personas que están a mi alrededor.

2. Comer tranquilamente. Tengo un problema, como demasiado deprisa. Mi dieta es bastante buena (habrá que mejorarla y bajar la carne, subir el pescado y dejar los dulces) pero no mastico apenas. Mi meta es disfrutar más tranquilamente de la comida. En cuanto a la bebida, no soy persona de beber alcohol diariamente, así que seguiré bebiendo moderadamente pero no porque me lo obliguen las situaciones sociales ni las fechas.

3. Disfrutar de la lectura. Ser capaz de poder dejar un libro si no me gusta (creo que este objetivo va a ser muy difícil de cumplir) y dejarme aconsejar por amigos y conocidos. Visitar más la biblioteca porque así mi bolsillo me lo agradecerá y mis estanterías también. Alternar la narrativa actual con los clásicos.

4. Gozar más con los amigos, con la familia, disfrutar de las buenas conversaciones, de los momentos que compartimos. Escucharme más a mi mismo.

5. Viajar, aunque sea a un pueblo cercano y descubrir nuevos lugares, gentes, fiestas, culturas.

6. Seguir disfrutando tal y como lo hago con la música. Seguir con mi propia banda sonora.

7. Pasear, andar por la ciudad, utilizar el transporte público, utilizar la bici, descubrir nuevos rincones de mi propio lugar, su historia, mi historia, mi cultura.

8. Hacer una contención del gasto superfluo. Por mi bolsillo, por mi y por el resto.

9. Abrirme a conocer gente nueva, no cerrarme a ello, dejar de lado mi timidez natural y mi comodidad personal.

10. Continuar con esta aventura del blog, aprendiendo de los que llevan varios años y de la gente nueva que lo hace tan bien.

Y vosotros, ¿tenéis proyectos para este 2011?

año nuevo vienés II

En este último día del año 2010 seguimos con la serie de entradas dedicadas al Concierto de Año Nuevo que anualmente ofrece todos los 1 de enero la Orquesta Filarmónica de Viena.

Tal  como comentaba ayer el repertorio que ofrece la magnífica orquesta es este concierto está compuesto por obras de la familia Strauss en su mayoría y algunos otros compositores austríacos y alemanes de los que excepcionalmente se interpretan obras como Offenbach, Ziehrer, Lanner, Schubert, Hellmesberger, von Suppe, Weiber y en los últimos años Mozart o Brahms. El caracter de las obras interpretadas son casi exclusivamente valses, polkas, marchas, galopes, cuadrillas y de vez en cuando alguna obertura de opereta e incluso de ópera.

El vals es ese elegante baile a ritmo lento que se popularizó en Viena a finales del XVIII y después en París y el resto de Europa en el siglo XIX y que es originario del Tirol por el siglo XII (en lo que a ritmo se refiere). La palabra vals viene del alemán walzen, girar. La característica principal de esta danza es su compás de 3/4 y su ritmo puede variar de más lento (como era antiguamente) a más rápido.

La polka ( o polca) es una danza popular originaria de Bohemia y que surgió a principios del siglo XIX. Su forma, en este caso, deriva del minuetto y tiene un compás de 2/4 siendo interpretada y bailada a un ritmo bastante más rápido que el vals. Su ritmo rápido hizo que se popularizase rápidamente no solo en Europa si no en América.

La marcha es una composición musical que está catalogada como danza andada. Esto es, es una danza para ser bailada mientras se anda, para llevar el ritmo de los pies mientras se anda, para marchar, de ahí su nombre. Normalmente regula el paso de un grupo de personas, es decir, se baila en grupo. Su ritmo puede variar aunque normalmente tiene un ritmo fácil y cómodo. Normalmente las marchas eran “interpretadas” por ejércitos, las llamadas marchas militares y en este caso el número de pasos a dar mientras se marcha puede variar ostensiblemente según el ritmo de la partitura.

El galope está considerada una marcha para caballería o un tipo de danza que se podría bailar siguiendo el ritmo y los pasos de una polka pero a un ritmo mucho más trepidante (de ahí lo de galope).

Cuadrilla es una composición musical de origen francés y que podría venir de las antiguas contradanzas europeas. Es una danza que se baila entre varias parejas, normalmente dos, en cuadrado, de ahí el nombre cuadrilla.

Estos son el tipo de obras con las que normalmente nos deleitan los miembros de la orquesta vienesa. ¿Pero qué sabemos de los compositores? Ahí los detalles los daremos en exclusividad sobre una familia, una saga: los Strauss. La dinastía estaba compuesta por Johann Strauss y sus hijos Johann, Josef y Eduard.

Johann Strauss, padre. A este compositor vienés se le debe, junto con el compositor Josef Lanner, la popularidad de los valses vieneses. Después de aprender a tocar el violín formó un cuarteto, junto a Lanner y los hermanos Drahanek, conocido como Cuarteto Lanner y que después fue ampliado a orquesta. En 1825 decidió formar su propia orquesta, la Orquesta Strauss y empezó a componer valses y otras obras musicales. Viajó mucho con su orquesta, haciendo grandes giras e incluso interpretó algunos valses tras la ceremonia de coronación de la reina Victoria de Inglaterra. Llegó a ser el Director Musical del Baile de la Corte, nombrado por Fernando I. Sus obras más populares son la Marcha Radetzky y el vals Lorelei Rhein Klänge op. 154.

Y naturalmente aquí tenéis el video de la más popular y conocida de las obras de Strauss padre, la Marcha Radetzky, dirigida el año pasado por un pletórico y divertido Georges Prêtre, que a sus 85 años se lo pasó en grande dirigiendo el concierto del 1 de enero de 2010. Podréis observar que el director francés dio la entrada a la marcha desde un lateral indicando al tambor que comenzase a tocar:

 

Johann Strauss II, hijo. El rey del vals. Así es como era conocido el hijo mayor de Johann Strauss, Johann Strauss hijo. Gracias a el el vals dejó de ser una danza campesina para pasar a ser un baile en la corte de los Habsburgo. Fue gracias a su madre que Johann pudo realizar su estudios de música, ya que su padre estaba totalmente en contra. El mismo día que su madre solicitaba el divorcio de su padre se presentó ante las autoridades vienesas para actuar en público.

Strauss hijo encontró muchas dificultades en sus primeros años como músico, pero pronto ganó audiencia amante de la música, tras haber aceptado comisiones para actuar fuera de Viena. El enfrentamiento entre padre e hijo fue público, notorio y del cual se hicieron eco los medios de la época. Viena fue asolada por una revolución burguesa el 24 de febrero de 1848, y la rivalidad entre padre e hijo se hizo mucho más evidente. En ese momento el hijo se hizo partidario de los revolucionarios lo que profesionalmente no le vino nada bien ya que, naturalmente, la realeza austriaca le negó sus favores, las autoridades vienesas le llegaron a detener por interpretar la Marsellesa de lo cual finalmente fue absuelto. Cuando en 1849 Johann Strauss padre murió, el hijo decidió fusionar su orquesta con la de su progenitor y tras la llegada al poder de Francisco José I se congratuló con la realeza componiendo diferentes obras en su honor. Fue autor de diversas operetas entre las cuales está la más famosa de ellas y cuya obertura se ha tocado en innumerables ocasiones en el Concierto de Año Nuevo. Hablamos de la opereta El Murciélago (Die Fledermaus). Entre sus valses están El bello Danubio azul, el titulado Vino, mujeres y canciones, o el Vals del Emperador. Entre las polkas son famosas Polka AnnaTritsch-Tratsch o Champagne Polka. Sus marchas fueron también muy famosas y suelen ser interpretadas habitualmente el 1 de enero.

Os dejo con el que sea quizás su vals más famoso y protagonista de uno de los bises fijos del Concierto de Año Nuevo ofrecido por la Orquesta Filarmónica de Viena. El bello Danubio azul es una de la dos piezas fijas en el programa y curiosamente esto está mal dicho, ya que no forma parte del programa propiamente dicho, si no de los bises. Siempre se ofrecen tres bises, el primero a elección del director, el segundo este que comentamos y el tercero la Marcha Radetzky. El vals suele comenzar en los primeros compases para ser interrumpido por el público. En ese momento el director y la orquesta felicitan el año nuevo y ofrecen sus deseos al mundo entero y después comienzan de nuevo con el vals. Con ustedes Daniel Baremboim. Añadir que este vals suele ser interpretado también por el Ballet de la Ópera Estatal de Viena:

Josef Strauss fue el hermano que nunca quiso ser músico, pero por los avatares del destino tuvo que suplir momentaneamente como maestro de capilla a su hermano Johann que había vuelto extenuado de una de sus giras. Estas suplencias fueron siendo cada vez más regulares y finalmente tomó clases de composición y aprendió a tocar el violín (me imagino que también lo llevaba en la sangre porque a mi me dicen ahora que tengo que aprender a tocar el violín para suplir a mi hermano músico y creo yo que no lograría ni la escala).

Sus composiciones tienen, en comparación con los trabajos de su hermano, un cierto tono melancólico. Entre sus valses más famosos está Delirienwalzer y su polka más famosa es la Pizzicato Polka, que se interpreta pellizcando las cuerdas de los violines, violas, violonchelos y bajos. Una auténtica delicia que compuso junto a su hermano Johann. En 1987 ocurrió algo prodigioso en la historia del Concierto de Año Nuevo ofrecido por la Orquesta Filarmónica de Viena. Por primera vez un director ajeno a la orquesta era elegido (por los miembros de la orquesta) para dirigirles el 1 de enero. Aquel año fue el maestro Herbert von Karajan y su primera obra tras el descanso fue, precisamente, Pizzicato Polka. Nos descubrimos ante un Karajan ya cansado y mayor, pero director de genio todavía:

Si Johann fue el rey del vals y Josef el que no tenía intención de ser músico, Eduard fue el hermano de las polkas rápidas, pero sobre todo el reconocido director de orquesta. Edi, tal y como era conocido en su familia, fue compositor y director de la orquesta familiar, muy querido en su época por los vieneses y su estilo puede decirse que era propio, sin notarse influencia de ninguno de sus dos hermanos.

Al morir su hermano Johann en 1901 decidió disolver la Orquesta Strauss y se dedicó a escribir sus memorias. Entre sus polkas rápidas, las llamadas polka-schnell, las más famosas quizás sean Bahn FreiAusser Rand und BandOhne Bremse.

Vamos a ver una interpretación del Concierto de 2006 dirigido por el letón Mariss Jansons y titulada Telephone (tal cual, Teléfono). Atención al final porque es una de las pocas veces en que el público asistente a un concierto puede sonreír por lo que pasa:

Y con esto terminamos el repaso a la familia Strauss ya que al resto de compositores de los que se tocan algunas piezas no daremos mayor relato, ya que es excepcional su inclusión en el programa del 1 de enero.

Mañana, 1 de enero de 2011, podréis, si queréis, visitar el blog y disfrutar con el relato de los directores que han pasado por el Concierto y sus diferentes anécdotas. Y sobre todo, disfrutad del Concierto, dirigido este año por el austríaco Franz Welser-Möst.

chacona

Resulta que estaba pensando en el post de hoy y mirando diferentes temas que me apetecía desarrollar en una entrada y desde mi ordenador empezó a salir una música que no escuchaba desde hace tiempo y que cada vez que la oigo me estremece por completo. Creo que es una de la melodías más bellas que he escuchado jamás y una de las más melancólicas. El caso es que me dije: tengo que compartir esta música con la gente! Lo malo es que es un archivo de mp3 que conseguí una vez y del cual solo conozco el título y por lo que he podido ver hay poco de donde tirar.

Chacona de Schnittelbach. Ese es el nombre que tiene el archivo así que empecé por ahí. Qué es una chacona? Pues bien, según la RAE esta palabra puede referirse a cuatro definiciones aunque todas entrelazadas entre sí. Veamos. La primera acepción se refiere a un baile de origen español que estuvo de moda en los siglos XVI y XVII y que se extendió por toda Europa. La segunda definición se refiere a la música para este baile o danza. La tercera nos dice que puede ser una composición poética para esta danza y la cuarta señala que puede referirse a una pieza instrumental inspirada en la danza. Indagando un poco más descubro que esta danza está compuesta en tres tiempos y que desarrollaba un tema melódico al que se aplicaban variaciones en el bajo (basso ostinato). Sobre el origen de esta danza hay diferentes hipótesis aunque todas ellas la señalan como una danza alegre y viva, más rápida que la zarabanda y semejante a la passacaglia o pasacalles.

Nathanael Schnittelbach, el autor. Compositor alemán nacido en 1633 y fallecido en 1667. Este compositor y violinista, formó parte de los músicos de la reina Cristina de Suecia y finalmente se estableció en Lübeck, donde daba clases de música (entre sus alumnos estaba el que después sería compositor y afamado músico Nicolaus Adam Strungk). Tras una boda real en Gottorp en donde realizó una serie de conciertos, enfermó y murió. En su tiempo adquirió gran fama como violinista. Aparte de la citada chacona (o cciacona) para violín solo y bajo (basso ostinato) se conocen también dos suites instrumentales y una sonata para violín y un Magnificat para cinco voces y dos violines.

Relajaros durante diez minutos y escuchad tranquilamente esta música que empieza poco a poco, con el violín desgranando la melancólica melodía que después irá variando en sucesivas partes.

música inmensa para una historia de amor

La idea de crear una música para la historia de amor entre dos jóvenes de un barrio neoyorkino, uno, Tony, de ascendencia irlandesa y la otra, María, de una familia de inmigrantes puertorriqueños, en un entorno de conflictos entre dos bandas rivales, los Sharks (puertorriqueños) y los Jets (irlandeses), surgió de la colaboración entre el coreógrafo Jerome Robbins,  el compositor Leonard Bernstein, el guionista Arthur Laurents, el letrista Stephen Sondheim, y el escenógrafo Oliver Smith. Las referencias a la obra de William Shakespeare, Romeo y Julieta, son constantes durante todo el musical. En el año 1957 se estrenó esta comedia musical. En el 61 se estrenó la película. Hablamos de West Side Story.

Ya en el año 1949 Jerome Robbins se acercaba a Leonard Bernstein y a Laurents para comentarles la posibilidad de colaborar en la creación de una adaptación al siglo XX de la tragedia de Shakespeare en forma de musical. En principio la base era el conflicto surgido por los amores de un italo-americano católico y una judía superviviente del genocidio de la Segunda Guerra Mundial. Tras una primera musicalización y por diferentes causas el proyecto fue abandonado hasta que se retomó en 1955.

Esta producción y su posterior adaptación para la gran pantalla tuvieron muchísimo éxito y se convirtieron rapidamente en clásicos aclamados por el gran público. ¡Quién no conoce hoy en día algunas de las canciones más famosas de esta partitura, como América (yo tengo un tio en America…), Tonight, Maria, I Feel Pretty o el maravilloso final versionado una y otra vez, Somwhere!

El musical fue innovador por los bailes, que forman parte de la acción dramática, por la música muy variada de Bernstein (ritmos latinos, jazz, canciones de amor de gran belleza melódica…) y por la temática de la historia. La partitura creada y orquestada por Bernstein, con la ayuda de Sid Ramin e Irwin Kostal es una obra en la que el número de músicos requerido para una interpretación apropiada de la pieza está entre los más altos del repertorio de teatro musical. La partitura necesita de cinco instrumentistas de viento-madera (cada uno encargado de varios instrumentos), siete metales, cinco percusionistas, un teclista, un guitarrista y doce instrumentistas de cuerda. En total, son necesarios 30 músicos para interpretar la partitura tal cual fue escrita por el compositor. Se puede decir que esta instrumentación, que en un primer momento puede parecer inusualmente grande, es típica de Broadway, donde muchos de los componentes de la orquesta están llamados a manejar varios instrumentos. Bernstein más tarde realizó una suite orquestal de la obra, titulada Symphonic Dances from West Side Story. La suite se interpreta normalmente en su forma completa, aunque existe una versión abreviada.

Entre los números más famosos se encuentran:

* Maria, cantada por el protagonista, Tony, cuando se entera del nombre de su amada.

* Tonight, cantada por Maria y Tony y que tiene su correspondencia con la escena del balcón de Romeo y Julieta.

* América, cantada por Anita, la novia del lider de los Sharks, es una canción de alabanza al estilo de vida americano por un lado y contestada con el modelo de vida consumista, racista (en aquella época los problemas raciales estaban a la orden del día en la sociedad norteamericana) y despectivo con Puerto Rico (poco a poco en las diferentes versiones se fueron eliminando las referencias despectivas hacia la isla).

* Cool, canción que se interpreta tras la muerte de uno de los integrantes de la banda de los Jets y en donde se alterna la rabia con la tristeza. La coreografía es famosa por su acción y por el maltrato físico que sufren las rodillas de los bailarines.

* Tonight Quintet, tema orquestal que anticipa el desenlace de la obra. Consta de cinco partes que comienza con las partes cantadas y a continuación, la superposición y construcción de la línea final, con el tema principal Tonight, cantada por todo el conjunto y orquesta.

* I Feel Pretty, una canción donde las chicas se sienten guapas, hermosas, encantadoras.

* Somewhere, basada en una frase del movimiento Lento del Concierto para piano Emperador de Beethoven que constituye el inicio de la melodía. Aparece por primera vez en un ballet del principio de la obra, para luego retomarse como tema central del Tonight Quintet. Finalmente sus primeros compases son cantados por Maria, después de que han disparado a Tony y poco antes de morir en sus brazos. Es una canción que ha sido versionada por muchos artistas, entre ellos, Barbra Streisand, The Supremes, Phil Collins, Julian Lloyd Webber, Aretha Franklin, Il Divo, Pet Shop Boys, Kylie Minogue y Celtic Woman.

Entre las grabaciones más importantes y referenciales de la obra están las siguientes:

1. En 1957, álbum con el reparto original de Broadway, con Carol Lawrence como María, Larry Kert como Tony y Chita Rivera como Anita.

2. La banda sonora de la película de 1961, con Marni Nixon cantando el papel de María (interpretado en la película de Natalie Wood) y Tony (interpretado en la película de Richard Beymer) cantada por Jimmy Bryant. Ganó el Premio Grammy al Mejor Álbum de Banda Sonora Original.

3. En 1984, Bernstein decidió volver a grabar el musical, la realización de su propia música por primera vez. En general se conoce como la “versión operística” de West Side Story, y está protagonizada por Kiri Te Kanawa como María, José Carreras como Tony, Tatiana Troyanos como Anita, Ollman Kurt como Riff, y Marilyn Horne como la voz que canta fuera del escenario Somwhere. Ganó un premio Grammy.

4. Bernstein grabó la Symphonic Dances suite con la New York Philharmonic en 1961, y con la Filarmónica de Los Ángeles en 1983. Una de las grabaciones más espectaculares de los últimos tiempos de esta suite es la interpretada por la Orquesta Joven Simón Bolivar de Venezuela dirigida por Gustavo Dudamel.

Os dejo precisamente con el video de la espectacular interpretación del número titulado Mambo, por parte de esta joven orquesta en el Festival de los Proms de la BBC del año 2007. Para que hagan emocionarse de esa manera a los comedidos ingleses tienen que ser muy buenos… de hecho, lo son. Por cierto que no solo logran emocionar a los ingleses. ¡Yo cada vez que veo esta actuación se me ponen los pelos de punta!: